Italica | 2008 | N. 2-3

La biblioteca dell’Università di Toronto conserva alcuni codici sconosciuti contenenti opere di Camillo Federici (1749-182), autore teatrale, più volte edito sul finire del XVIII secolo. Di una delle sue commedie, “Le lagrime d’una vedova”, vengono qui poste le premesse per una edizione critica, a partire dal confronto tra il manoscritto e la stampa corretta (Padova 1892). L’ipotesi di datazione che viene avanzata, inoltre, colloca la stesura tra il 1793 e il 1796.

“Tutto il miele è finito” di Carlo Levi, apparso a stampa presso Einaudi nel ’64, si rivela radicale rielaborazione del progetto originario, nato circa dodici anni prima intorno a una piuttosto esigua mole di appunti relativi ad un viaggio in Sardegna. Al nucleo primario, nel tempo, si sovrappongono altre esprienze, e altre memorie, sul filo di un disegno che mira dritto alla conquista dell’essenza. E il racconto, che consapevolmente si misura col dolore e col distacco, guadagna in qualche modo la forma dell’ennesima moderna ‘Odissea’.

A lungo – come è noto – il dibattito sulla cinematografia italiana si è interrogato sulla esatta collocazione, in seno all’evolversi del movimento neorealista, spettante a “Ossessione”, il celebre film di Luchino Visconti. Fuori dagli schemi previsti dal dibattito, il saggio analizza il rapporto fra l’esperienza della Resistenza – gli eventi e il clima che prelude alla fine del secondo conflitto moniale – e il ‘senso di colpa’ che segna nel profondo l’immaginario dell’intera nazione. Una eredità pesante, densa di ambiguità, destinata a una interiorizzazione tanto più forte quanto più energicamente rimossa.

A trenta’anni dall’enigmatico assassinio di Pier Paolo Pasolini, l’articolo intende rivisitare la serie di pellicole che in qualche modo – spesso anche con larvate e indirette allusioni – ne hanno reinterpretato la testimonianza, sul pieno personale ed artistico, e su quello politico e ideologico. Uno spunto particolarmente pregnante per mettere sempre di nuovo a fuoco il complesso rapporto tra il regista e il suo pubblico, alla ricerca di una catarsi collettiva ardua da ottenere.

Particolarmente emblematico, a parere unanime dei critici, il ricorso desiamente frequente, da parte del poeta milanese Franco Loi, alle metafore dell’aria e del vento. Per un cantore dell’erranza e del ‘non finito’ esistenziale, sancito da una consapevolezza volutamente attutita e parziale, la scelta di quelle immagini rivela la nitida opzione verso la dimensione dell’etereo, l’anelito di ‘leggerezza’ in senso calviniano, come antidoto all’insostenibile peso del quotidiano.

Attenzione privilegiata da parte della critica, nell’ambito della produzione di Vincenzo Consolo, ha senz’altro goduto “Il sorriso dell’ignoto marinaio”, edito nel 1976. Al riguardo, è stato a più riprese ricostruito il tessuto di fonti risorgimentali, o comunque ottocentesche, dal Foscolo delle “Ultime lettere di Jacopo Ortis” al De Roberto de “I Viceré”, sempre sottolineando, nell’economia della ‘riscrittura’, il ruolo privilegiato della figura femminile, densa di valenze allegoriche e di potenzialità di riscatto.

La scrittura filosofica, prosastica e poetica, che accetti di confrontarsi con il tramonto di ontologia e metafisica, accoglie in sé i segni di una trasparenza coscientemente opaca, di una frammentarietà che è lucida rinuncia all’organicità dell’intero. Sgalambro e Agamben si collocano tra gli interpreti di quel ‘pensiero debole’, che tuttavia non rinucia “a priori” al tentativo, sia pur provvisorio e parziale, di una rifondazione del senso, a partire dalla innegabile pregnanza della ‘categoria del singolo’.

Romano Mussolini, il figlio del duce scomparso nel 2006, non era un musicista qualunque; era fin da giovane, al contrario, un pianista jazz. Da qui lo spunto per ricostruire l’ambigua benevolenza del regime per questo genere musicale, nell’economia di un’estetica tollerante e liberatoria solo in apparenza.

Fondamentale, come è noto, nella poetica di Pavese, la sua ‘riscoperta dell’America’, a partire dal 1930, l’anno della laurea, in pieno regime fascista. Alla realtà storica egli sovrappone un’immagine letteraria, tessuta di contraddizioni e di ossimori, destinata a sorreggere anche il fervido susseguirsi di traduzioni e prove saggistiche.

Veniva dal teatro Tullio Pinelli, scenggiatore e stretto collaboratore di Fellini, fin dai primi anni ’50. Nel corso dell’intervista ripercorre le sue esperienze in Italia e in America, ma soprattutto il rapporto, personale e professionale, con il grande regista.

Il colloquio con l’autore de “Il nome della rosa”, avvenuto nell’ottobre del 2008, è incentrato sul valore estetico ed etico di bellezza e bruttezza, tema centrale nell’economia della storia delle idee, densissimo di implicazioni dalla vasta estensione interdisciplinare.