Forum Italicum | 2014 | N. 1

L’influsso dantesco sull’opera letteraria di James Joyce è stato ampliamente evidenziato da numerosi studi critici degli ultimi decenni. Tuttavia, la studiosa ritiene che non sia ancora stata messa in luce una caratteristica comune fondamentale per la piena comprensione dell’evoluzione della poetica di Dante e di Joyce: il passaggio dei protagonisti delle rispettive opere giovanili, la “Vita nuova” (1295) e “A Portrait of the Artist as a Young Man” (1916), attraverso una cruciale fase di “estraniamento”. Il saggio si ripropone di colmare questa lacuna analizzando l’estraniamento e l’ineffabilità – i tratti principali che legano le vicissitudini dei protagonisti delle opere in questione e dei loro rispettivi autori – attraverso l’artificio retorico dell’ “abjective correlative”, coniugando le istanze moderniste esposte da Eliot con la teoria della ‘abjection’ postulata da Julia Kristeva in Powers of Horror: An Essay on Abjection (1982).

Il saggio indaga la rappresentazione del mostro nel teatro italiano del Seicento e interpreta come, in diversi casi, la presenza di questa figura in scena serva a creare un riferimento metateatrale all’opera medesima nella quale il mostro viene inserito. In tal senso, personaggi di mostri in parte umani e in parte animali all’interno di opere teatrali di genere misto assumono il valore di emblema scenico della natura ibrida del testo. Il caso più indicativo di tale tendenza è costituito da “La centaura” di Giovan Battista Andreini, che ha tra i protagonisti appunto una centaura, e che nel primo atto è una commedia, nel secondo atto una pastorale, e nel terzo atto una tragedia. Il saggio propone, poi, ulteriori esempi che provengono da altre opere di Andreini, ma anche da lavori di Giovanni Battista Leoni, Margherita Costa, Giulio Strozzi e Giovanni Briccio.

Oggetto di studio del saggio sono due testi teatrali che mettono in scena la camorra: “Don Pietro Caruso” di Roberto Bracco e “A San Francisco” di Salvatore Di Giacomo. Il primo rappresenta la Napoli che i lettori e spettatori hanno sotto gli occhi negli anni Novanta dell’Ottocento e denuncia la connivenza tra politica e malavita organizzata, il secondo sceglie la Napoli borbonica del 1850, ricostruibile attraverso una bibliografia (da Marco Monnier ad Abele De Blasio) da cui preleva numerose tessere sapientemente utilizzate per disegnare usi e costumi dei camorristi. Se Bracco si immerge nel presente con passione politica, Di Giacomo invece compie un salto nel passato con il distacco dello storico. Tuttavia nel 1900 – osserva lo studioso – si trovano insieme, Di Giacomo nel dramma “‘O mese mariano” e Bracco nella recensione allo spettacolo e nell’articolo “Psicologia di via Toledo”, a portare lo sguardo sulla scena reale della camorra, tra i ragazzi poveri e abbandonati da tutti (anche dallo Stato e dalle istituzioni umanitarie), i quali diventeranno le reclute della malavita organizzata.

La studiosa mette in evidenza come nel romanzo “La storia” di Elsa Morante la lettura più nichilistica coabiti con un'”altra” più gioiosa. Ed è proprio grazie a quest’ultima che la scrittrice cerca “le tracce del paradiso”, un’esile felicità svelata nella poesia, nella musica e nell’amorevole vitalità innocente dei suoi personaggi più solari.

Il saggio di Caterina Mongiat Farina prende in esame i temi del corpo, l’animale e la materia nel romanzo “Acciaio” (2010) di Silvia Avallone, inserendoli nel contesto estetico del romanzo di formazione italiano dagli anni Novanta a oggi e filosofico del cosiddetto ‘postumanesimo’. L’analisi delle similitudini e metafore tra essere umano, animale e macchina offre lo spunto per una riflessione sulla vitalità che anima il romanzo tra umanità, natura, subcultura e tecnologia all’alba del terzo millennio. La vita delle giovani protagoniste, fatta di affetti familiari, amicizie, primi amori e delusioni, ma anche discriminazioni, ingiustizie e sfruttamento è raccontata – osserva Mongiat Farina – non tanto in maniera separata da natura e tecnologia, quanto stabilendo delle analogie. Questa scelta retorica implica una profonda rivoluzione epistemologica che include la valorizzazione dell’animalità umana.

Il saggio, attraverso l’utilizzo di fonti come la stampa periodica specializzata, ridefinisce i contorni del genere teatrale della commedia gialla, inoltre, ne approfondisce la specificità, ne studia le relazioni con le tendenze predominanti delle correnti drammaturgiche coeve nel contesto di una crisi storica che investe la società e la cultura negli anni del Fascismo. Per Antonella Di Nallo pur assecondando un’intenzione certamente commerciale, il delitto portato sul palcoscenico, al di là dei suoi evidenti significati sociologici, svela direzioni e orientamenti chiave della storia del teatro novecentesco.

Oggetto d’indagine del saggio è la riedizione del volume di poesie “Millimetri” (2013) di Milo De Angelis, avvenuta a trent’anni di distanza dalla prima apparizione (1983). La riedizione offre la possibilità di valutare criticamente il mutato scenario della ricezione del testo, e la differenza del contesto di lettura fra gli anni Ottanta del Novecento e l’epoca presente. Il discorso di De Angelis si comprende nel suo percorso di trasformazione delle allucinazioni, dallo stesso poeta spiegate in Lucrezio, in un orizzonte visivo che con una precisa scelta di oggetti, azioni e spazi, dà storia al presente, e considera presenti l’adolescenza e la memoria, così come la lotta, il tragico, la gioia e il gioco.

Il saggio prende in esame la presenza della bambola in due opere in prosa della letteratura italiana: “La bambola” (1887) di Contessa Laura e “Servitù” (1914) di Luigi Pirandello. In entrambi i racconti – osserva Cristina Mazzoni – la tragica conclusione si verifica quando i protagonisti maschili – marito e padre rispettivamente – distruggono fisicamente le bambole. La loro violenza può essere in parte spiegata proprio con le complicate relazioni degli adulti, soprattutto maschi, con le bambole.

La studiosa riflette sul diverso punto di vista assunto da molti filosofi e uomini di lettere nei confronti della mitologia antica in seguito al grande terremoto del 1773 che si verifica nell’Italia meridionale. Seguendo la via indicata da illustri scrittori come Giambattista Vico, Francesco Mario Pagano, Vincenzo Cuoco, gli intellettuali iniziano a indagare sulla storia dell’umanità, analizzando sia le favole della mitologia che le catastrofi della geologia, giungendo alla conclusione che Omero non era greco, ma italiano.