Critica letteraria | 2020 | N. 1

Il fascino muliebre è lo specchio della società e dei costumi dei tempi: non dissimula
soltanto segreti di trucco o acconciature ma rivela anche la profondità
dell’animo delle donne. Dal Corbaccio a Lo cunto de li cunti il saggio ripercorre
l’evoluzione di due particolari figure di donne, la Venere e la vedova, giungendo
a trovare interessanti conferme nelle coeve raffigurazioni iconografiche.

Nel 1548 a Venezia, per le cure di Lodovico Domenichi, uscirono le prime Rime della napoletana Laura Terracina: una raccolta poetica femminile che si aggiunse dunque a quelle di Vittoria Colonna e di Tullia d’Aragona comparse tra il 1538 e il 1547 e precedute nel 1537 da due stampe di stanze di Veronica Gambara.
Il presente contributo ne illustra la struttura e i contenuti, soffermandosi anche sul suo successo editoriale, testimoniato dalla pubblicazione, dopo la princeps, di dieci edizioni nell’arco di diciassette anni.

L’autore ritorna ad interessarsi del problema, ribadendo i motivi per cui è improponibile l’identificazione del personaggio di Mopso in Sperone Speroni, stigmatizzando l’assurdo perseverare di altri critici in tale errore anche dopo che esso è già stato rilevato con ampia documentazione.

Nel finale della Teleutodía, l’ode che chiude la Parte seconda delle Rime, Alfieri
indica tre eroine del suo teatro – Mirra, Elettra, Alceste – quali emblemi della
sua intera produzione tragica. Si tratta di una scelta di non pacifica decifrazione,
se non si tiene conto della loro valenza allegorica, desumibile da un confronto
con la Vita scritta da esso. Dal quale emerge come esse siano la raffigurazione
di tre passioni fondamentali dell’animo dell’autore, in grado di rispecchiare
nello stesso tempo Alfieri e il suo teatro tragico.

Questo saggio presenta il motivo letterario della «pudicizia schernita», il cui svolgimento si sviluppa dalle pagine dello Pseudo Egesippo fino a Boccaccio, Masuccio e Bandello, e da questi sino alla narrativa libertina di Ferrante Pallavicino. In Spagna il seduttore è il protagonista della scena teatrale del Burlador de Sevilla di Tirso, mentre in Francia ispira il suo maggior commediografo, Molière. Ma la storia della produttività, delle riscritture e delle variazioni del tema è ben più ampia.

Attraverso una attenta lettura tematica e simbolica l’autore mostra nel suo saggio come il motivo religioso sia davvero dominante e pervasivo nel racconto lungo o romanzo breve di Fenoglio; motivo percorso da un senso di colpa, di oscura minaccia e intriso di riflessi metafisici, biblici, presenze del demonio, richiami manzoniani e verghiani, sui quali domina la presenza di una natura/ fortuna maligna.

L’autorialità, concepita come caratteristica ineludibile di un’opera d’arte è
un’accezione nata nella modernità. È solo a partire dal Rinascimento, infatti,
che si assiste all’affermazione dell’autore esaltato poi nel corso del Romanticismo.
Il Novecento, smarcandosi dalla concezione tradizional-borghese di letteratura,
rimette in discussione il ruolo dell’autore, proponendo nuove forme di
creatività.

Nel presente studio si indagano i rapporti intercorsi fra Pietro Bembo e Ludovico Ariosto, ponendo particolare attenzione alle motivazioni personali e linguistico-letterarie dietro le quali si cela la nota indifferenza bembiana. A partire dall’approfondimento della critica già esistente, si sono ricercati nuovi
indizi, utili a dipanare ulteriormente il mistero circa il silenzio del Veneziano nei confronti del Furioso.

Il saggio indaga sull’attività di regista di Pier Poalo Pasolini in merito alla trasposizione dell’opera maggiore del Boccaccio.
Il Decameron (1971) di Pasolini si pone alla confluenza fra adattamento e appropriazione del libro di novelle: attuando un processo di napoletanizzazione del testo sul piano linguistico, etno-usicale e socio-antropologico, l’autore mette in scena il trionfo della vitalità popolare, sullo sfondo di un Sud ancestrale. La sua versione filmica – lungi dalla semplice trasformazione dal linguaggio scritto a quello audiovisivo – comporta dunque un’inedita interpretazione del libro, in funzione dell’elogio rivoluzionario del passato quale antidoto all’omologazione della civiltà consumistica.

Il saggio propone un’analisi della categoria temporale in Memoriale di Paolo Volponi. Partendo dal titolo stesso, il saggio indaga come il tempo funzioni quale recupero della memoria, viaggio del pensiero nel vissuto. Il memoriale non assolve, tuttavia, un ruolo terapeutico, ma resta testimonianza dei fatti che
affliggono il protagonista in fabbrica, facendo di lui quasi una vittima espiatoria. La storia si ritaglia, dunque, uno spazio suo, inserendosi tra il passato dei ricordi e la voce attualizzante dell’Io.