Albertiana | 2011 | N. XIV

Questo ricordo di Guglielmo Gorni ripercorre il ricco, complesso e articolato percorso delle ricerche svolte dallo studioso in oltre quarant’anni di attività, sottolineandone le più significative e durature acquisizioni.

Si propone qui l’elenco dettagliato degli scritti di Guglielmo Gorni dal 1969 al 2010.

Questo saggio presenta un sintetico e criticamente aggiornato ritratto intellettuale di Leon Battista Alberti (Genova, 1404 – Roma, 1472), sbozzato a partire dalla formazione, dalle frequentazioni, dai molteplici interessi e dalla polisemica ricerca del grande umanista, architetto e teorico delle arti. Tracciandolo, l’autore propone altresí di inquadrare o spiegare la multiforme e divaricata opera dell’Alberti, altrimenti per piú versi sfuggente nelle sue motivazioni profonde, sulla base delle fondamentali sue preoccupazioni epistemologiche e del correlato suo tentativo di reorientare in senso immanentistico l’intero complesso dei saperi, ‘de facto’ operandone quella generale rifondazione che caratterizza ‘ab imo’ tanta parte dei suoi scritti.

Lo scopo di questo articolo è quello di esaminare l’orazione “Canis” (scritta intorno al 1438 e sin qui mai adeguatamente analizzata) in maniera piú particolareggiata rispetto agli studî precedenti, osservandone specificatamente tre aspetti: la struttura dell’elogio, che rispecchia quella di un’orazione funebre classica o umanistica; le fonti utilizzate dall’Alberti (in particolare, il modo in cui, l’umanista si adoperi studiatamente a mutare l’ordine degli ‘exempla’ derivanti dalla “Storia naturale” di Plinio); e come siano da interpretarsi i molteplici legami con l’autobiografia latina. Da questa analisi risulta in particolare che il “Canis” non è solo un esempio di virtuosismo retorico, ma rappresenta altresì un suo autoritratto nel contempo comico e idealizzato: l’enfasi dell’orazione sui temi principali della “Vita” dimostra che il “Canis” è un’opera tanto seria quanto ludica.

L’articolo indroduce la questione politica nell’albertiano “De pictura” dal punto di vista non delle funzioni esteriori della pittura, ma del peculiare suo funzionamento. In particolare, l’autore sottolinea come nonostante la pittura appaia di per sé ordinata secondo una netta gerarchia socio-politica, che divide, raccoglie, subordina nel ‘continuum’ pittorico o percettivo, essa in realtà tenda ad annullare tutte le divisioni (sociali, professionali, politiche, sessuali…) nel collettivo aggregantesi intorno a sé. L’autore sostiene quindi la necessità di prender atto dell’esistenza di un senso estetico comune, integralmente fondato sul piacere che la pittura suscita in ugual misura in ciascuno.

Questo saggio tenta di mettere a fuoco l’atteggiamento dell’Alberti nei confronti delle preesistenze architettoniche su cui si trova ad operare, dal Tempio malatestiano alla facciata di Santa Maria Novella. Partendo da un’analisi delle spesso divergenti opinioni della critica su questo delicato tema, l’articolo ripercorre le posizioni espresse dall’Alberti stesso del “De re aedificatoria” evidenziando i numerosi passi in cui viene riconosciuto una sorta di valore in sé alle costruzioni degli Antichi, nell’ottica di una ‘pietas’ di stampo pre-conservativo il cui miglior esempio è forse nel suggerimento di ‘restauro’, anziché di rifacimento – giusta il desiderio di Nicolò V –, di San Pietro. Questa, invero, la teoria, dal momento che l’autore non manca di sottolineare come la prassi costruttiva dell’Alberti rimanga piuttosto incerta, come testimonia il caso del Tempio Malatestiano.

Questo saggio si concentra innanzitutto sull’edizione del Vitruvio di Fabio Calvo per Raffaello (Monaco di Baviera, Bayerische Staatsbibliothek, codd. It. 37 e It. 37a), evidenziando innanzitutto come essa ricorra a una pluralità di fonti a stampa e, soprattutto, manoscritte, molte delle quali non menzionate nelle edizioni critiche del “De architectura”. Partendo da questa considerazione (suffragata da una dettagliata analisi testuale), l’autore sottolinea quindi come lo storico dell’architettura dell’Età moderna debba obbligatoriamente tenere in conto anche quegli errori della tradizione che hanno in qualche modo influenzato le architetture e le teorie architettoniche dei secoli dei quali egli si occupa, ponendo idealmente le prime basi di un’auspicabile edizione comparata di tutti i testimoni vitruviani superstiti.

Questo articolo si sofferma su quei semicatini ornati di mosaici imitanti l’oro che costituiscono una specificità della pittura veneta cinquecentesca. In particolare, l’autrice argomenta come questi ‘caela d’oro’ (così definiti in riferimento ai ‘cieli’ delle chiese e al loro effetto di ‘splendor’, ispirato alla filosofia del visibile tra Medioevo e Rinascimento), compaiano spesso nell’iconografia religiosa, e soprattutto nelle Sacre conversazioni, mostrando dunque come la suggestione dell’oro nella pittura veneta cinquecentesca non sia un arcaismo, ma la manifestazione di un aspetto della venezianità – l’appartenenza ‘citoyenne’ alla Serenissima – il cui simbolo architettonico è la Basilica di San Marco.

In questo saggio, l’autrice si concentra sull’enigmatica, contraddittoria e dibattuta sovrapposizione tra l’immagine di un’ignuda sdraiata e l’aristocratica scena d’interni messa in atto dalla “Venere di Urbino” del Tiziano, mettendo in luce come diversi aspetti di quest’opera corrispondano in qualche modo al racconto dell’incontro di Socrate con la cortigiana Teodota, proposto da Senofonte nei suoi “Commentarii”, tradotti e pubblicati a Venezia. Analizzando queste corrispondenze, l’autrice ipotizza inoltre che le relazioni che mantenevano allora alcuni fra gli amici del Tiziano con la ‘cortigiana-filosofa’ Tullia d’Aragona (altresí interlocutrice nel “Dialogo d’amore” dello Speroni), possano avere attirato l’attenzione del pittore su di un’opera quale quella di Senofonte, celebrante il potere della bellezza.

Queso saggio si concentra sulla ‘fabula’ esopiana “Zeus, Prometeo, Atena e Momo”, che ha goduto di una notevole fortuna, variamente declinata fino al Settecento, soprattutto per la rilevanza dei suoi interpreti: tra i piú grandi, possiamo annoverare Luciano, l’Alberti e il Leopardi. Protagonista assoluto è Momo, dio del biasimo, attraverso cui il filone di pensiero al quale essi appartengono ha potuto esprimere il lato “critico” del pensiero antico e moderno, soprattutto nell’ambito della letteratura italiana. L’articolo approfondisce, in particolare, le affinità tra Esopo, Luciano, l’Alberti e il Leopardi – e segnatamente tra questi ultimi due, sebbene nell’opera leopardiana la presenza di Leon Battista sia sotterranea e non esplicita – evidenziando un comune pessimismo di questi autori nei confronti della presunta bontà naturale dell’uomo.

Nel discutere la nuova edizione delle poesie latine di Francesco Filelfo a cura di Diana Robin, l’autore propone una lunga serie di dettagliate osservazioni sul testo dell’opera, avanzando nuove proposte per la costituzione del testo, l’interpretazione, l’analisi metrica e il commento di alcuni passi.

Abstracts dei contributi presenti nel fascicolo.